Pensado a mano: 7 diseñadores españoles reivindican el valor de la artesanía

Juan Francisco Fuentes-Lojo

24 noviembre 2025

En un contexto marcado por la inmediatez y mediado por lo digital, la artesanía conserva un poder singular: el de convertir la materia en significado y el proceso en pensamiento. En este artículo hemos reunido a 7 diseñadores españoles que, desde lenguajes distintos, demuestran que lo artesano no es un vestigio del pasado sino una herramienta contemporánea y sostenible capaz de generar identidad y construir narrativas más conscientes.

Regina Dejiménez

Artista y diseñadora textil, Regina Dejiménez ha construido un universo propio donde el trabajo manual es el centro de todo. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, su obra se mueve entre la escultura, la instalación y la artesanía contemporánea, pero rehúye las etiquetas para explorar cómo la materia puede convertirse en una forma de pensamiento. «El tejido es superficie y lenguaje; es una herramienta y un vehículo de transformación; es materia sensible para hablar de lo sutil«, afirma la artista.

En sus piezas, la fibra se transforma en territorio: hilos que levantan arquitecturas blandas, texturas que parecen respirar y procesos que reivindican el valor del tiempo lento. Dejiménez no mira a la artesanía como un ejercicio de nostalgia, sino como una herramienta actual capaz de abrir imaginarios y transformar espacios desde la sensibilidad material. Su obra ha habitado proyectos de interiorismo para Contract y Retail para marcas y eventos como el Madrid Design Festival, Adolfo Domínguez, Kave Home, Proyectos conscientes o Nobu Hotels.

Pablo Bolumar

Este diseñador valenciano se mueve en el cruce entre lo técnico y lo poético. Su obra se basa en una visión regenerativa del diseño, donde la ecología de los materiales y la funcionalidad conviven con la capacidad emocional de los objetos. De este modo, su trabajo apuesta por la economía circular: reparar, desmontar y elegir materias primas naturales antes que plásticos convencionales.

Una de sus piezas que mejor simboliza esta folosofía es la luminaria “Beeswax Bubble”. Se trata de una pantalla colgante libre de plásticos, fabricada a partir de lienzo impregnado en cera de abeja. Al encenderse, la lámpara libera un tenue aroma a miel y propóleos, activado por la fuente LED interior, convirtiendo la experiencia de iluminación en un acto sensorial y sostenible.

Elena Rocabert

Elena Rocabert, arquitecta formada en la ETSAM de Madrid, ha desarrollado una carrera en la que arte, diseño y artesanía se entrelazan. Su trabajo explora la experimentación con materiales —desde aluminio y hierro hasta biomateriales como micelio y kombucha— y la creación de instalaciones que dialogan con el espacio y el espectador. Cada proyecto refleja su interés por la transformación, la temporalidad y la relación entre lo natural y lo artificial.

La pieza «Transient Terrain» de Elena Rocabert formó parte de la exposición «Esto no es un edificio«, comisariada por Diariodesign. Además, recientemente ha recibido una mención en los Premios COAM por su proyecto «Floating River», una instalación materializada mediante canalones metálicos suspendidos que visibiliza los sistemas que sostiene en agua. En ambos casos la manipulación directa del material y la atención al detalle las convierten en obras que combinan estética, emoción y significado.

Eliurpi

El dúo creativo formado por Elisabet Urpí y Nacho Umpiérrez, bajo el nombre Eliurpi, ha convertido la artesanía tradicional en un lenguaje contemporáneo. Desde su estudio en el Barrio Gótico de Barcelona, parten de la sombrerería clásica —especialmente de técnicas ancestrales de trabajo con las hormas y la paja— para transformarla en piezas escultóricas.

Con el tiempo, su práctica ha evolucionado de forma natural hacia nuevos formatos: lámparas, taburetes, esculturas textiles e instalaciones lumínicas. En proyectos recientes, como la exposición Planta Rei en el showroom de Viruta Lab, han empleado materiales como la rafia vegetal para explorar el diálogo entre luz y sombra, inspirándose en estéticas que reivindican el claroscuro y la belleza de lo imperfecto. En todas ellas se mantiene su principio esencial: la artesanía como un acto meditativo, íntimo y profundamente vinculado al gesto humano.

Atelier Mel

Atelier Mel es un estudio liderado por María Ruiz Pardo, con base en Barcelona y formado por arquitectos, diseñadores, ingenieros y una red de artesanos y fabricantes locales que crean instalaciones y esculturas de gran escala. Su metodología se sitúa en la intersección entre tecnología y oficio: emplean diseño digital para definir las formas, pero cada pieza se fabrica artesanalmente, especialmente en vidrio. «Durante todo el recorrido, lo digital y lo manual trabajan en paralelo, trenzándose en un mismo proceso que da lugar a piezas únicas de manera ágil y precisa«, nos cuentan desde Atelier Mel.

Desde el concepto, buscan inspiración en geometrías naturales y traducen esas ideas en diseños paramétricos que se materializan mediante herramientas de fabricación digital y talleres artesanales. Cada módulo de vidrio se corta, pule y moldea a mano sobre moldes cerámicos creados a partir de contramoldes digitales, asegurando la singularidad de cada pieza.

Sagarminaga Atelier

Gabriela de Sagarminaga fundó Sagarminaga Atelier en 2017 con el objetivo de rescatar la tradición ancestral del trabajo con fibras vegetales y dotarla de una nueva dimensión contemporánea. Desde su taller en Bilbao, diseña y produce cada pieza de forma totalmente artesanal, empleando materiales como el esparto, la médula, el ratán, el lino o la madera de castaño. «Para mí, la fibra vegetal es la referencia más simple de la naturaleza. Su tactilidad tiene algo esencial y me ofrece un margen extraordinario para narrar historias: hay miles de años escritos en ella y mucho futuro por esculpir«, cuenta Gabriela.

Su enfoque combina con delicadeza la herencia cultural de técnicas milenarias de trenzado con innovaciones tecnológicas, como el corte numérico digital, para dar forma a objetos esculturales que narran historias. Sus piezas —desde lámparas y mobiliario hasta instalaciones para hoteles y espacios públicos— buscan crear vínculos emocionales entre las personas y su entorno, ofreciendo creaciones atemporales que combinan geometría, ritmo, volumen y vacío en un diálogo constante entre tradición y modernidad.

Raúl Mouro

Raúl Mouro es un ceramista asturiano que mantiene viva su herencia alfarera mientras la reinventa desde un lenguaje personal y libre. Su obra experimenta con arcillas locales, gres y procesos precisos de cocción, dando lugar a piezas en las que la superficie adquiere una textura sensible y casi viva. En cualquier caso, más allá de perseguir la belleza formal, enfatiza la artesanía como un acto profundo de compromiso y transmisión.

Mouro trabaja desde su taller en Cangas del Narcea con paciencia y entrega, adoptando un proceso artesanal en el que el ensayo, el fallo y la reconstrucción son parte esencial. En reconocimiento a su aportación, ha sido galardonado con el Premio Nacional de Artesanía en la categoría de Producto por su colección Piel de Mouro, lo que subraya tanto la excelencia técnica como su capacidad de innovar sin renegar de sus raíces.

El diseño vuelve al origen

En un momento en que la artesanía reclama un lugar propio dentro del diseño contemporáneo, resulta vital seguir generando espacios que la visibilicen y la celebren. Un ejemplo reciente fue la exposición “CRAFT LAB: Hacia una nueva articulación espacial”, comisariada por Tachy Mora en la feria Interihotel BCN25, donde participaron varios de los diseñadores presentes en este artículo. Iniciativas así demuestran que la mirada hacia lo esencial —la materia, el proceso, el tiempo— no es un regreso al pasado, sino una vía para imaginar un futuro más consciente.